Artistas y Lokos

FacebookTwitterCompartir
A medida que continuamos viendo caer las ventas de CD, es obvio que los canales de distribución de música están cambiando. Pero no se discute que las descargas digitales son la nueva norma para que muchas personas adquieran su música, ya sea una descarga de noventa y nueve centavos o un álbum completo. Mientras reflexiono sobre estos cambios, sigo pensando que el disco de vinilo, tan prehistórico como es, está ganando popularidad, así como haciendo nuevos fanáticos y creyentes de que este es el mejor formato de audio que se puede escuchar.

Como amante del vinilo, estoy bastante ambientada en mis caminos; nadie tiene que convencerme del poder de permanencia y la grandeza musical del disco de vinilo. Así que me emocioné cuando tuve la oportunidad de entrevistar a un joven que comparte los mismos puntos de vista que yo.

Tuve el gran placer de hablar con un amante del vinilo de diecinueve años de Campbell River, Columbia Británica, Canadá, llamado Steve Robertson; quien tuvo la gentileza de compartir sus pensamientos y puntos de vista sobre este formato antiguo pero atesorado. Lo que sigue es una breve discusión con Steve mientras compartía su pasión y amor por los discos de vinilo.

Le pregunté a Steve qué lo atrajo al vinilo, ¿por qué prefiere este formato de audio?

El vinilo suena mucho mejor; Tiene un sonido único que no se puede duplicar. Hay una sensación de satisfacción cuando se sostiene un producto físico. Y la portada, no solo del pasado, sino de nuevos artistas, es otra razón por la que prefiero los discos de vinilo sobre cualquier otro formato. También tengo una sensación de satisfacción al saber que cuando compro un trabajo de artistas en vinilo, estoy apoyando a los músicos que lo lanzan, simplemente no es otra descarga gratuita, explicó Steve.

Le pregunté a Steve cuánto tiempo ha escuchado el vinilo y qué formato prefieren sus amigos.

Llevo varios años en el vinilo y el vinilo es enorme en la Columbia Británica y la mayoría de mis amigos también lo prefieren. A los dos nos gusta el sonido claro y la experiencia que se obtiene al reproducir un disco. Y estamos interesados ​​en pinchar, así que encaja perfectamente. El año pasado compré un par de giradiscos Stanton que ciertamente me han ayudado en mis esfuerzos de pinchar y planeo actualizar muy pronto para llevarlo al siguiente nivel. Me encanta el control que tengo al tocar la música que la gente quiere escuchar. El objetivo de un DJ es tomar dos canciones diferentes y mezclarlas de una manera fluida sin que la multitud lo sepa. Tomando elementos de un registro y mezclándolos con el otro, puede mezclar hábilmente la primera canción hasta que solo se reproduzca la nueva pista. Es como crear una nueva canción y nueva música de alguna manera.

Realmente creo que el vinilo está volviendo, seguro que está en nuestra área. Si mis amigos y yo tuviéramos que elegir, los discos serían nuestra elección y la mejor opción para escuchar nuestra música. Pero, son más difíciles de adquirir, nuestra tienda de vinilo más cercana está a una hora y media de distancia, por lo que compramos la mayor parte de nuestro vinilo en línea.

Le pregunté a Steve sobre su colección de discos de vinilo y quería escuchar más detalles sobre su pasión por D J-ing.

A la primera parte de su pregunta, diría que tengo más de trescientos discos, en su mayoría rock clásico como Zeppelin o Heart. Pero tengo alrededor de setenta y cinco discos que entrarían en el género de la danza electrónica. Eso es principalmente lo que toco cuando hago de DJ porque eso es lo que la multitud para la que toco quiere escuchar. Cuando estás mezclando discos, el control que tienes sobre el sonido y la forma en que puedes manipular la música es como tocar un instrumento. Puede mezclar y poner efectos en la música usando su mezclador o puede hacer algunas manos al rascarse y agregarle su propio sonido único. En cuanto al scratching, es un nivel completamente nuevo de DJ porque, de alguna manera, estás creando un sonido que nunca antes se había escuchado, es casi como una producción en vivo, explicó Steve.

Ciertamente fue refrescante escuchar a Steve hablar sobre su amor por los discos de vinilo. Su entusiasmo por el formato fue claramente evidente y especialmente bienvenido para mí, un purista de vinilo. Y ambos estuvimos de acuerdo en que, sea cual sea el género musical que disfruten, ciertamente suena lo mejor que emana de un disco de vinilo. Y esa es una perspectiva que ayudará al disco de vinilo a sobrevivir, si no prosperar.

Quiero agradecer personalmente a Steve por su cooperación y franqueza con respecto a nuestra discusión sobre los discos de vinilo. Es agradable escuchar a alguien de una generación diferente, no solo apasionado por la música que escucha, sino también por el formato de audio que elige escuchar.

La mayoría de la "sabiduría convencional" sobre el uso de un metrónomo para practicar la guitarra conduce a la práctica ineficaz, errores innecesarios y lento progreso general. Obtenga más beneficios de su práctica de la guitarra evitando estos 3 mitos:

Mito # 1: El uso de un metrónomo ayuda a construir su velocidad de guitarra

El uso de un metrónomo no aumenta la velocidad de reproducción de la guitarra. Un metrónomo se utiliza como una prueba para evaluar su nivel actual de maestría con una técnica particular o artículo de práctica.

Preste atención a las cosas que hacen que su juego de guitarra para romper a velocidades más rápidas. Afina tu técnica de guitarra practicando lejos del metrónomo (normalmente a velocidades más lentas). Después, prueba a ti mismo de nuevo para ver cuánto progreso has hecho.

Mito # 2: Todo tiene que ser practicado mediante el uso de un metrónomo

Los guitarristas que practican con un metrónomo todo el tiempo a menudo se bloquean en el uso de notas de cuarto, notas de octavo y notas de decimosexto cuando solo. Rara vez usan notas punteadas, trillizos o descansos en medio de una frase musical. Esto crea demasiada similitud rítmica en las frases de guitarra y hace más difícil ser creativo.

Tus solos de guitarra se vuelven más expresivos cuando usas una variedad de ritmos para crear tensión y hacer tu juego más interesante. Pasa algún tiempo practicando sin el metrónomo y desafíese a crear muchas variaciones rítmicas en una frase simple de 4-6 notas. Varíe el ritmo libremente, pero mantenga todos los lanzamientos iguales. A continuación, utilice el metrónomo para bloquear su sincronización en su lugar.

Otro consejo práctico: practica jugar a las escalas y arpegios con muchos ritmos diferentes (en lugar de estricta 16 notas o trillizos).

Mito # 3: Practicar con un metrónomo limita su creatividad rítmica

Un metrónomo sólo limita su creatividad rítmica si permite que suceda. Los mejores guitarristas utilizan un metrónomo para desarrollar su creatividad rítmica. Aquí es cómo: Ajuste el metrónomo a un tempo moderado (como 90-120 latidos por minuto). Comienza a improvisar libremente riffs de guitarra con un solo acorde de potencia. Desafíese a usar descansos, sincopaciones y valores rítmicos inusuales que normalmente no practica. Empujarse fuera de su zona de confort fuerza su creatividad para expandirse.

Este ejercicio también te entrena para jugar perfectamente ajustado al clic. Esta habilidad es crucial para jugar bien en una banda, grabar música rápidamente e improvisar solos de guitarra sobre pistas de acompañamiento.

¿Quieres obtener excelentes resultados en tu guitarra de cada sesión de práctica de guitarra? Aplique todos los puntos de este artículo de inmediato.

Autor: T. Hess 

El Arte francés, conocido por sus estilos de pintura diversa fue influenciado por el arte flamenco e italiano durante la época del Renacimiento de la iluminación. Pasó por muchos corredores de desarrollo a través de los talentos creativos de diferentes artistas, de asentarse finalmente en el estilo impresionismo como el logro último del arte francés.

El desarrollo del arte francés

El Arte francés entró en existencia en tiempos prehistóricos y continuó floreciendo en la época de Carlomagno. Durante el siglo 17, el clasismo es el estilo más popular de la pintura. En el siglo 18 el estilo fue superado por la pintura de estilo rococó, que era una réplica de la pintura barroca. Poco después, el romanticismo seguido, sí sucumbir a la embestida del estilo del realismo. El último de los principales estilos en aparecer fue el impresionismo, que era y es aclamado como el estilo de arte final alcanzado por los artistas franceses durante la época moderna.

Repositorios de arte

Los museos en Francia son total o parcialmente utilizados para el almacenamiento de esculturas y trabajos de pintura. Dentro de estos museos se pueden encontrar grandes colecciones de obras maestras antiguas creadas antes o durante el siglo 18. En el estado de propiedad estatal Musée du Louvre se guarda la famosa pintura de Mona Lisa o La Gioconda. El Musée d'Orsay, situado en la estación de tren se convirtió en un museo y ha sido un repositorio para las pinturas del siglo 19 del impresionismo y el fauvismo.

Música

Francia también es bien conocida por la variedad de su música popular y clásica, pero debido a la afluencia de diferentes pueblos y lenguas, la variedad de la música disfrutar en el país ha aumentado a pasos agigantados. La Música de África se ha mezclado con las melodías francesas locales. El estilo de música calypso de América Latina se confunde y crea un sabor primitivo animado con el tipo indígena más refinada de la música. La infiltración de aún más variedad proviene de la comunidad asiática con sus altas notas estridentes suelen ir acompañados de programas de conciertos animados que representan conquistas pasado, el romance y leyendas. Música pop Hip también se ha infiltrado en la comunidad francesa sin que haya causa real de preocupación.

Theatrics

Francia ha sido considerado como el estar en la vanguardia del desarrollo del cine, con una posición destacada en sus contribuciones al arte. Movimientos importantes en el mundo de la representación teatral como la Nouvelle Vague tenían su origen en el país. La producción de cine, otro de sus contribuciones a la teatralidad, retrata a una interpretación liberal y visualización de sexo, la sociedad, la política y la historia. Hay numerosas pequeñas salas de cine en las partes del centro de cualquier ciudad, que compiten directamente con los grandes operadores, pero París tiene el mayor número de salas de cine en el mundo.

Ópera

Ópera francés comenzó durante el reinado de Luis XIV con actuaciones como Cadmo y Harmonía de 1673 por Jean-Baptiste Lully. Los experimentos con representaciones de ópera se habían producido antes. Una forma de ópera con música de baile y el canto surgió en 'tragédie en musique', otra de las creaciones de Lully. Más tarde llegó Rameau quien promovió las creaciones de Lully y más tarde, el Gluck alemán que produjo óperas para el estado parisino en los 17170s. Producciones de ópera posteriores de la tradición Gluckian, era Les Troyens, que no fueron plenamente realizado durante casi 100 años después de que fueron escritos.

Tal vez recuerdes el video viral anterior SketchSHE, donde el trío de labios se sincroniza con Bohemian Rhapsody . Ese video obtuvo más de 18 millones de visitas. Bueno, están de vuelta y mejor que nunca con su nuevo video " Mime a través del tiempo ".

El trío, compuesto por Lana Kington, 25, Madison Lloyd, de 27 años y Shae-Lee Shackleford, 28 nos lleva en un viaje mágico a través de las edades de la música. Desde la década de 1940 todo el camino hasta hoy. Shackleford recuerda correr la idea para el video de su madre, diciendo: " La primera vez que le dije a mi mamá que ella dijo 'oooh, no lo sé ", pero cuando vieron que se pintan y creo que es una gran broma . "Nosotros también lo creo.

Mira como las niñas nos llevan a la perfección de Elvis a Kurt Cobain, a Freddie Mercury, Eminem e incluso Miley Cyrus. Si hay algo que estas chicas saben hacer, que es, sin duda fascinante internet.